Come vengono creati i disegni originali negli studi di animazione?

I film e le serie animate che amiamo, siano essi capolavori Disney, le opere emozionali dello Studio Ghibli o i classici cult degli anni '80 e '90, sono il risultato di un processo creativo complesso e affascinante. Al centro di questo processo ci sono i disegni di produzione originali, pezzi essenziali nella produzione di animazione. Diamo uno sguardo dietro le quinte degli studi di animazione per capire come queste opere uniche prendono vita.

Fase 1: Sviluppo della storia e storyboard
Tutto inizia con un'idea. I registi, gli sceneggiatori e gli artisti collaborano per dar vita a una storia, spesso sotto forma di sceneggiatura. Tuttavia, per visualizzare questa storia, gli artisti creano uno storyboard.

Uno storyboard è una serie di disegni, disposti come pannelli, che suddividono ogni scena. Serve come una pianta visiva per l'intero team, aiutando a definire:

• I movimenti dei personaggi;
• Gli angoli di ripresa;
• Il ritmo delle scene e le transizioni.

Questi disegni, sebbene semplici e spesso abbozzati, sono cruciali per gettare le basi dell'animazione. Permettono ai team di identificare potenziali problemi prima di passare alle fasi più costose della produzione.

Fase 2: Design dei personaggi e degli sfondi
Una volta che lo storyboard è approvato, il passo successivo è progettare i personaggi e gli sfondi in dettaglio.

I bozzetti dei personaggi esplorano pose, espressioni e movimenti per catturare la loro personalità unica e il loro stile. I concetti di sfondo definiscono gli ambienti in cui si svolge la storia. Questi disegni possono variare da schizzi semplici a opere d'arte altamente dettagliate. Questa fase è spesso supervisionata dai direttori artistici e dagli animatori principali, che si assicurano che tutti gli elementi visivi rimangano coerenti con la visione complessiva del film o della serie.

Fase 3: Animazione tradizionale e disegni chiave
Nelle tecniche di animazione tradizionale, ogni movimento è suddiviso in una serie di immagini fisse. Gli animatori principali creano prima i disegni chiave, che segnano i momenti più importanti di un movimento (ad esempio, i punti di inizio e fine di un salto).

Questi disegni vengono poi completati dagli in-betweeners, che riempiono i movimenti intermedi per creare una sequenza fluida. Ogni secondo di animazione può richiedere fino a 24 disegni individuali, una testimonianza della pazienza e del talento degli artisti.

Fase 4: Animazione su celluloide e colorazione
Una volta completati i disegni, i personaggi e gli oggetti animati vengono trasferiti su celluloidi, chiamati anche cels. Questi fogli trasparenti consentono ai personaggi di essere sovrapposti agli sfondi, evitando la necessità di ridisegnare lo scenario per ogni fotogramma.

I contorni dei personaggi vengono tracciati sul cel, spesso con l'inchiostro. I colori vengono poi aggiunti sul retro del celluloide per evitare che i contorni vengano oscurati. Il risultato è un effetto di stratificazione perfetto, dove ogni cel corrisponde a un momento specifico nell'animazione.

Fase 5: Composizione finale
I cels dipinti vengono poi combinati con i disegni di sfondo per creare le composizioni finali. Ogni scena viene fotografata fotogramma per fotogramma utilizzando fotocamere speciali. Questo passaggio dà vita alla sequenza animata, come visibile sullo schermo.

L'artigianato artistico dietro ogni disegno
Ogni disegno originale di questo processo è un'opera d'arte unica, che riflette lo sforzo collettivo di numerosi artisti. Che si tratti di uno schizzo di storyboard, di un disegno chiave o di un cel dipinto, ogni elemento incarna l'essenza dell'animazione tradizionale.

Negli studi di animazione, questi disegni non sono solo strumenti per la produzione; sono pezzi artistici che catturano l'immaginazione e l'esperienza dei loro creatori. Grazie a loro, mondi fantastici prendono vita, un disegno alla volta.